Amalgam (shortened version, 2019), Dr. Ilka Kloten 

(deutsche Version unterhalb)

Vital – interwoven

 

A vibrating vitality flows through the sculptural art works of Keiyona Stumpf. Forms burst open, bud, blossom and wither. They embody the creative principle, and sexuality as a driving force of nature that continues to create life again and again.

The artist combines what belongs together in life. She interweaves human body shapes with forms and patterns from the plant and animal kingdoms, and she looks at them from the outside and inside. One might have the impression to see skin, bones, organs, but also leaves, flowers, corals, sea anemones. The individual part is neither to be taken out nor to be defined specifically. Everything is interwoven in a perfect composition, in unique structures. They unfold a kind of beauty that does not stop at the surface but reveals a great profundity.   

In these artifacts the observer can discover the tremendous diversity of nature and see herself or himself as a part of this, of her/his world: If they lose it, they lose themselves! Pristine, beautiful, and at the same time vulnerable nature is Keiyona Stumpf’s theme. One that is more contemporary than ever. She deliberately keeps her elaborate creations in a delicate state – between chaos and order.

 

Beautiful – irritating

 

What, at first sight, seems to be symmetrical is by no means the same on both sides. On the contrary: the artist avoids all regularity and perfection. A slight deviation from the ideal makes her art so fascinating. This deviation provides beauty with an individual touch that captures one’s gaze. This “it is, yet it isn’t” is irritating for the spectators, and at the same time motivates them to explore the composition. Are they looking into a body? Into a ribcage, a pelvis or a throat? Does the red color refer to flesh and blood? 

Keiyona Stumpf is fascinated by the human body, its outside and inside. Some of her works get under one’s skin – visually and emotionally. The structures cannot be categorized conclusively but remain deliberately ambivalent and open for associations. Therefore, the art pieces are not just decorative or ornamental but always dynamic, inspiring, even mysterious.

 

Natural – artificial

 

Keiyona Stumpf obscures the difference between nature and art, and thus follows a principle embodied by the art chamber.

Since the Renaissance, royals collected naturalia, exotica and artificalia in their courts in a special display room. It provided an integral view of the world, visualized the macrocosm in the microcosm and connected nature and art.

But unlike in the traditional objects of the art chamber, in which natural and artificial shapes are intertwined but still remain distinguishable, in Keiyona Stumpf’s works they merge into one another. There, nature and art become one, virtually melt into one extraordinary amalgam.  

Her lavishly modeled works seem to revive the opulent richness of shapes of Mannerism, Baroque or Rococo: the interior design in castles or the composition of grottos and fountains in royal gardens. The many-layered works of the artist – from the showpiece to the installation that fills up a whole room – speak to all senses, evoke memories and emotions – ranging from shudders to infatuation.

 

Biomorphic – virtuoso

 

Keiyona Stumpf’s creations are rooted in the tradition of so-called biomorphic abstraction that was established in the avant-garde of the early 20th century. Its groundbreaking representative, Hans Arp, still influences contemporary art. Like him, Keiyona Stumpf engages intensely with the organizational principles of nature and finds a truly unique position. 

The artist works with moldable materials of different kinds: ceramics, porcelain, or glass. But she also experiments with new materials, which she finds in everyday life: industrial remaining products, paper and plastic – up to bubble gum. In the course of this she uses the reservoir of forms inherent in each material, as well as its momentum. A seemingly uncontrolled growth may thus determine the composition, and out of the trivial something beautiful can evolve!

Keiyona Stumpf is one of those artists who contrast the immaterial, virtual mediums in contemporary art with a new kind of materiality and virtuosity. On the one hand, she masters traditional processing techniques. On the other hand, she develops innovative processes in which she combines different materials in such a way that they do not reveal their origin anymore.

 

In whichever medium and format Keiyona Stumpf may be working, she always aims to assure herself of the world; an endangered world that wants to be recognized in its vulnerability.

Amalgam (Kurzfassung, 2019), Dr. Ilka Kloten

(english version above)

 

Vital – verwoben

 

Eine vibrierende Vitalität durchströmt die plastischen Arbeiten von Keiyona Stumpf. Formen brechen auf, knospen, erblühen und vergehen. Sie verkörpern das schöpferische Prinzip und die Sexualität als Triebfeder der Natur, die alles Leben immer wieder neu erschafft.

Die Künstlerin bringt zusammen, was im Leben zusammengehört. Sie verwebt menschliche Körperformen mit Formen aus der Pflanzen- und Tierwelt, betrachtet sie von außen und von innen. Man meint Haut, Knochen, Organe zu erkennen, aber auch Blätter, Blüten, Korallen, Seeanemonen. Das Einzelne ist weder herauszulösen, noch genau zu bestimmen. Alles ist virtuos miteinander verflochten – in einzigartigen Gebilden. Sie offenbaren eine Schönheit, die nicht an der Oberfläche bleibt, sondern in die Tiefe geht.

Der Betrachter kann in diesen Artefakten die ungeheure Vielfalt der Natur entdecken, sich als Teil dieser, seiner Welt verstehen: Verliert er sie, verliert er sich! Die reine, schöne, aber auch verletzliche Natur ist das Thema von Keiyona Stumpf. Eines, das aktueller ist denn je. Bewusst hält sie ihre kunstvollen Kreationen in einem labilen Zustand – zwischen Chaos und Ordnung.

 

Schön – irritierend

 

Was flüchtig besehen symmetrisch erscheint, ist keineswegs seitengleich. Im Gegenteil: Die Künstlerin vermeidet jegliche Ebenmäßigkeit und Perfektion. Der besondere Reiz liegt gerade in der leichten Abweichung vom Ideal. Sie verleiht dem Schönen die individuelle Note, an der unser Auge hängen bleibt. Dieses „es ist und ist doch nicht“ irritiert den Betrachter und animiert ihn zugleich, die Gestaltung zu ergründen. Blickt er in das Innere eines Körpers? In einen Brustkorb, ein Becken oder einen Schlund? Verweist die rote Farbe auf Fleisch und Blut?

Keiyona Stumpf ist fasziniert vom menschlichen Körper, von seinem Äußeren und Inneren. Einige Arbeiten gehen unter die Haut – visuell und emotional. Die Gebilde sind nicht eindeutig zuzuordnen, sondern bleiben bewusst ambivalent und offen für Assoziationen. Daher sind die Werke nicht einfach dekorativ oder ornamental, sondern immer auch dynamisch, anregend, ja geheimnisvoll.

 

Natürlich – artifiziell

 

Keiyona Stumpf verunklärt die Grenze von Natur und Kunst und verfolgt damit ein Prinzip, das die Kunstkammer verkörpert.

Fürsten haben seit der Renaissance Naturalia, Exotica und Artificalia an ihren Höfen in einem eigens dafür eingerichteten Schauraum versammelt. Er bot eine ganzheitliche Sicht der Welt, visualisierte den Makrokosmos im Mikrokosmos, verband Natur und Kunst.

Anders als in den traditionellen Objekten der Kunstkammer, in denen Natur- und Kunstform sich oft vermengen, aber als solche doch unterscheidbar bleiben, gehen sie in den Arbeiten von Keiyona Stumpf ineinander auf. Bei ihr werden Natur und Kunst eins, verschmelzen buchstäblich zu einem ungewöhnlichen Amalgam.

In ihren üppig gestalteten Werken scheint auch der opulente Formenreichtum des Manierismus, Barock oder Rokoko aufzuleben: der Innendekor in Schlössern oder die Gestaltung von Grotten und Brunnenanlagen in fürstlichen Gärten. Die vielschichtig angelegten Arbeiten der Künstlerin – vom Kabinettstück bis zur raumfüllenden Installation – sprechen alle Sinne an, rufen Erinnerungen wach und Emotionen hervor – von Erschaudern bis Betörung.

 

Biomorph – virtuos

 

Die Kreationen von Keiyona Stumpf stehen in der Tradition der sogenannten biomorphen Abstraktion, die sich in der Avantgarde zu Anfang des 20. Jahrhunderts etabliert. Hans Arp, ihr wegweisender Vertreter, wirkt bis in die zeitgenössische Kunst hinein. Wie er so setzt sich auch Keiyona Stumpf intensiv mit den Organisationsprinzipien der Natur auseinander und findet zu einer ureigenen Position.

Die Künstlerin arbeitet mit formbaren Materialien verschiedener Art: mit Keramik, Porzellan oder Glas. Sie experimentiert aber auch mit neuen Materialien, die sie im Alltag vorfindet: industrielle Restwaren, Papier und Kunststoff bis hin zu Kaugummi. Dabei wird das Formenreservoir, das in jedem Material steckt, genutzt wie auch dessen Eigendynamik. Scheinbar unkontrolliertes Wachstum kann das Arrangement bestimmen und aus Banalem etwas Schönes entstehen!

Keiyona Stumpf gehört zu den Künstlern, die den immateriellen, virtuellen Medien in der zeitgenössischen Kunst eine neue Materialität und Virtuosität entgegensetzen. Einerseits beherrscht sie traditionelle Verarbeitungstechniken. Andererseits entwickelt sie innovative Verfahren, bei denen sie unterschiedliche Materialien so kombiniert, dass sie ihre Herkunft nicht mehr zu erkennen geben.

 

In welchem künstlerischen Medium und Format Keiyona Stumpf auch arbeitet, immer sucht sie sich der Welt zu vergewissern. Einer bedrohten Welt, die in ihrer Verletzlichkeit wahrgenommen werden will.

Art Society Rosenheim: Art Award, Laudation for Keiyona C. Stumpf (2019), Dr. Ulrich Schäfert

(deutsche Version unterhalb)

 

That’s disturbing, that’s loud, that’s upsetting, that’s a tiny bit gaudy, that’s somehow disgusting, that’s not easy to take in …

That’s also what we felt as a jury for the art award of the annual exhibition. There had been many strong positions, harmonious positions, sophisticated positions. But this one position was somehow irritating. A position that is not moving on solid ground, that is gorgeous and voluptuous, and at the same time gaudy and disgusting, combining opposites. A piece of work that is unique because it introduces many conceptual spaces and associations.

A friend who later becomes a bosom buddy isn’t necessarily likable from the beginning. Something about her or him is annoying, and only later one recognizes that the other person’s qualities are touching, maybe precisely because he or she is different, so completely different than one would expect or from one’s own qualities, even though one always wishes to be affirmed in her or his position. During jurying, Ms. Kneiper told us about a recent symposium at a museum where they had had a pivotal recognition: a museum or an art exhibition is supposed to enable experiences of difference. Not with what one already knows and likes, but with something new that is unfamiliar and strange. Only then tolerance can be developed, and joy about diversity in this world. And after this examination that which is annoying can become one’s bosom buddy and broaden one’s horizon. Therefore, the awarded art piece is called “Bosom Body” – number 104 in the catalogue. Warm congratulations to Keiyona Constanze Stumpf for receiving the art award 2019 of the Art Society Rosenheim for her work “bosom body II”!

Keiyona Constanze Stumpf was born in 1982. She lives and works in Diedorf near Augsburg and in Munich. From 2011-2016, she studied art at the Academy of Fine Arts Munich (Akademie der Bildenden Künste München) and graduated in Markus Karstieß’ (former Prangenberg) art class. Although still a young artist, she already received a number of awards: in 2018 the art award of the county of Augsburg, in 2017 the debutant award of Gedok Munich and the art award of the Art Society Aichach. Also in 2017, she received a scholarship for Fine Arts from Munich for a porcelain project.

 

Let us take a closer look at the awarded art piece:

Intricacy is already inherent in the title: a close friend is a bosom buddy. But here we find “bosom body”, a play of words that refers to the body as a bosom buddy, as a friend in all her/his recalcitrance and vulnerability: Therefore, in this ceramic work “bosom body II” a rib cage seems to open up at second glance, allowing the spectator to look into a fantastic, surreal chest filled with many structures, from which anemones and mussels seem to be sprawling and are hanging down lushly, being reminiscent of rose garlands or prayer ropes.

 

The piece of work reflects natural processes such as growing and decaying, order and chaos.

Abstraction and graphicness are related to each other in a fruitful tension: on the one hand we have a wildly proliferating, multi-variant symmetry in baroque exuberance, on the other hand manyfold and representational associative anchors. A combination of opposites:

Shudder and Splendor
Flesh and Phony Piety
Corals and Corporal Openings
Aliens and Arabesque
Rocaille and Riddles

It all seems to consist of flesh, of skin, and at the same time it gets under one’s skin.

All of this is displayed in voluptuous, grotesque beauty. At the same time, in this carnal vulnerability lies the highest truth. Here, the age-old word pair truth and beauty meets for a daring rendezvous. The artist herself implies during an interview that the perception of beauty does have consequences: People, she says, have “a kind of sense of beauty, and that results in us having certain ethics”.

Concerning the craftsmanship, the piece of work is skillfully burned out of one piece in ceramics, supplemented by chains threaded on a silicone chord. The warm, ocher and red glazes are evocative of baroque porcelain.

This sculpture presents itself as an ambivalent yet still reliable being. I can face the “bosom body” straightforwardly and unclothed, also with my less perfect body parts, with all my creatureliness. The fragile natural structures also evoke associations of our nature’s endangerment.

Elisabeth Mehrl articulated it quite well after jurying: “I also think that the material of her art piece is quite appropriate for the content – ‘frozen state of yearning’, which in spite of celebrating a vehement appearance simultaneously allows one to feel its fragility (through the materiality).”

We would like to express our warm congratulations to the award winner!

                                                                                            

Kunstverein Rosenheim: Kunstpreis, Laudatio für Keiyona C. Stumpf (2019), Dr. Ulrich Schäfert

(english version above)

Das stört, das ist laut, das regt auf, das ist ein wenig kitschig, das ist irgendwie ekelig, das geht nicht glatt durch...

So war es auch für uns als Jury für den Kunstpreis der Jahresausstellung. Da waren viele starke Positionen dabei, stimmige Positionen, durchdachte Positionen. Aber diese eine Position regte uns irgendwie auf, eine Position die sich nicht auf sicherem Terrain bewegt. Die schön und üppig ist und zugleich kitschig und ekelig. Die Widersprüchlichkeit in sich vereint. Eine Arbeit, die herausragt dadurch, dass sie viele Denkräume und Assoziationen eröffnet.

Ein späterer Busenfreund ist einem oft auch nicht auf Anhieb sympathisch - irgendetwas regt einen an ihm auf und dann erst erkennt man, dass einen die Qualitäten des anderen berühren, vielleicht gerade weil er oder sie anders ist, ganz anders als man es erwarten würde oder man selber ist, obwohl man eigentlich doch immer die Bestätigung der eigenen Position wünschen würde. Frau Keiper berichtete beim Jurieren  von einem eben zu Ende gegangenen Museumssymposium auf dem eine zentrale Erkenntnis war: Auftrag eines Museums und von Kunstausstellung ist es Differenzerfahrung zu ermöglichen: - nicht immer nur mit dem, was man eh schon kennt und mag, sondern etwas Neues, das einem fremd ist - erst so kann sich Toleranz entwickeln und Freude über eine Vielfalt in dieser Welt. Und nach dieser Auseinandersetzung kann das so Ärgerliche dann Busenfreund werden und den eigenen Horizont erweitern. Und so heißt sie auch die prämierte Arbeit: „Bosom Body“ – Busenfreund bzw. -freundin, die Nummer 104 im Katalog. Ganz herzlich dürfen wir Keiyona Constanze Stumpf für ihre Arbeit „bosom body II“ zum Kunstpreis des Kunstvereins Rosenheim 2019 gratulieren!

Keiyona Constanze Stumpf wurde 1982 geboren, lebt und arbeitet in Diedorf bei Augsburg und in München. 2011-2016 studierte sie freie Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München und schloss ihr Studium mit dem Diplom in der freien Klasse Markus Karstieß (ehemals Prangenberg) ab. In ihrer jungen Künstlerinnenkarriere wurde sie bereits mehrfach ausgezeichnet: 2018 erhielt sie den Kunstpreis des Landkreises Augsburg, 2017 den Debutantinnenpreis von Gedok München und den Kunstpreis des Kunstvereins Aichach. Ebenfalls 2017 bekam sie ein Stipendium für Bildende Kunst der Stadt München für ein Porzellanprojekt.

Lassen Sie uns das prämierte Werk näher betrachten:

Vielschichtigkeit liegt bereits im Titel: „bosom buddy“ heißt übersetzt Busenfreund*in. Hier aber heißt es: bosom body: also wörtlich „Busenkörper“ wohl ein Wortspiel das sich bezieht auf den Körper als Busenfreund– als Freund in all seiner Widerspenstigkeit und Verletzlichkeit: So öffnet sich bei dieser Keramik „bosom body II“ auf den zweiten Blick scheinbar ein Rippenbogen und lässt in einen fantastisch, surrealen mit vielen Strukturen gefüllten Brustkorb blicken aus dem Anemonen und Muscheln zu wuchern scheinen und von dem etwas üppig herabhängt das an Rosenkränze oder Gebetsschnüre erinnert.

Die Arbeit reflektiert Prozesse der Natur wie Wachsen und Vergehen, Ordnung und Chaos.

Abstraktion und Gegenständlichkeit stehen in fruchtbarer Spannung zueinander: wildwuchernde, variantenreiche Symmetrie in barocker Pracht auf der einen Seite und eine Vielfalt gegenständliche Assoziationsanker auf der anderen. Da vereinen sich Gegensätze:

Schauder und Schönheit

Fleisch und Frömmigkeit

Korallen und Körperöffnungen

Aliens und Arabeske

Rocaille und Rätsel

Das Ganze scheint aus Fleisch, aus Haut zu bestehen und geht zugleich unter die Haut.

All das ist in üppiger, lauter Schönheit vorgetragen. Zugleich liegt in der fleischlichen Verletzlichkeit auch größte Wahrheit. Hier trifft sich das uralte Begriffspaar Schönheit und Wahrheit zu einem mutigen Stell-Dich-Ein. Die Künstlerin selbst deutet in einem Interview an, dass für sie sie die Wahrnehmung von Schönheit durchaus auch Konsequenzen hat: Die Menschen, sagt sie, haben „eine Art Sinn für das Schöne, und daraus resultiert, dass wir eine gewisse Ethik in uns haben“.

Handwerklich ist die Arbeit in Perfektion aus einem Stück in Keramik gebrannt, ergänzt durch die Ketten, die auf Silikonschnur gefädelt sind. Die warmtonig ockerfarbenen und roten Glasuren lassen an die Pracht barocken Porzellans denken.

Diese Plastik begegnet einem als ambivalentes und doch verlässliches Wesen. Dem „bosom body“ kann ich ehrlich und nackt entgegentreten auch mit meinen nicht so perfekten Seiten, mit all meiner Kreatürlichkeit. Die zerbrechlichen Naturstrukturen lassen einen auch an die Gefährdung unserer Natur denken.

Elisabeth Mehrl hat es im Nachgang an die Jurierung gut ins Wort gebracht: „Auch finde ich das Material ihrer Arbeit sehr angemessen für den Inhalt –  ‚eingefrorener Sehnsuchtszustand‘, der zwar einen vehementen Auftritt zelebriert, aber gleichzeitig seine Zerbrechlichkeit (durch die Materialität) spüren lässt.“

Herzliche Gratulation an die Preisträgerin.

                                                                                          

The beauty of what is alive (2017), Keiyona C.Stumpf

(deutsche Version unterhalb)

The infinitely vast repertoire of nature’s phenomena holds a stupendous beauty and complexity that can be traced down to the tiniest detail.
I have always admired that deeply, along with the question of which creative principle is providing these phenomena with their ultimate form and is letting them emerge and vanish in their aliveness.

Even those forms that might cause a feeling of disgust or even dread can unfold their beauty to the closely beholding eye.

For me, in nature there is nothing that is “ugly”. Forms that simultaneously cause opposing internal reactions – like admiration and repulsion – I find especially fascinating, for they allow us to experience this feeling of vibrating aliveness within ourselves.

I think that which the perceptions trigger within us is closely intertwined with previous and individual experiences and imprinting.

So for me the obvious question is: Isn’t the eye that is “eyeballing” things the actual “artist”, and the moment of seeing the moment of “creating”? Therefore beauty would not be the outcome of perfection, but some kind of quality or inner principle underlying everything that is alive and only having an effect on the perceiver through the transmission of the senses.

“Beauty is within the eye of the beholder” – as they say.

Being touched by a special kind of beauty in nature may awaken a deep longing within us. Fear of the unknown or a threat could indicate a deeper fear within us – maybe a fear that, if being traced down to its roots, would ultimately be a fear of a much greater beauty demolishing all familiar categorizations?

For, ultimately, man and nature are not facing each other as two opposites, separated from each other. Nature isn’t just the foundation of our existence, we are “nature” and carry all its principles within us.


If you comprehend the world as an entity, existing through continuous transformations, in which all parts are an integral component of the whole, and in which all parts determine each other as well as the parts the whole, then we (nature and man) have never – neither within nor without, neither as the observer nor as the observed – been separated from each other.

„The miracle is that the universe created a part of itself, to study itself, and that this part in studying itself finds the rest of the universe in its own natural inner realities.“ (John C. Lilly, scientist)

But still: If you look upon the world today it seems as if we humans have never before been so far apart from our true nature.

It seems to me as if today we had lost all respect and all feeling for nature within us and around us.
In our outer reality this becomes evident through the fact that we are about to turn our planet into a desert – through our value-free actions and by being driven by our conditioning of a “rat race in the now”. We exert an enormous cruelty against man, animal and nature and thus are self-destructively bringing about the collapse of our civilization by destroying our own basis of life.

The world – which, by the way, in ancient Greece was translated as “beauty” – is losing its biodiversity, its habitats, its vitality: its “nature”. And it is obvious that this will have serious and challenging effects on our near future.

As a consequence thereof, I am asking myself how this can be put into context with the state of our “inner reality”.

I believe we can assume that we are carrying within ourselves some kind of “sense of beauty” which results in “ethics”. Not as a predefined frame we couldn’t object to, but as a frame that can be experienced, filled and transformed, because we can transform ourselves and evolve.

If we did not have the aptitude we would be confronting the challenges of our times without any hope. These times might, more than ever, ask us to focus our attention back on what is essential.

In my works I am looking for forms that express themselves through movement and growth. A source of inspiration are nature’s abundant manifestations, the processes that are making them emerge and vanish again, and the impressions I find being reflected within them.

In the course of this I am looking for forms that seem strangely familiar but at the same time do not refer to anything specific. I wish to leave open an associative space for the beholder.

I hope that, through my works, I can speak to this elevating feeling of aliveness within people, and by that give new rise to the question of beauty, dynamics and transformation.

But beauty in nature is not ultimate. It is the herald of inward and eternal beauty, an it is not alone a solid and satisfactory good. It must stand as a part, and not as yet the last or highest expression of the final cause of Nature“ (Ralph Waldo Emerson, philosopher & writer)

 

Die Schönheit des Lebendigen (2017) Keiyona C. Stumpf

(english version above)

 

Das unendlich große Repertoire von Erscheinungen in der Natur birgt in sich eine enorme Schönheit und Komplexität, die sich bis in das kleinste Detail verfolgen lässt. Dies habe ich schon immer zutiefst bewundert, begleitet mit der Frage, welches schöpferische Prinzip all diesen Erscheinungen ihre letztendliche Form verleiht und sie in ihrer Lebendigkeit entstehen und vergehen lässt. Selbst die Formen, die in einem vielleicht ein Gefühl von Ekel oder gar Furcht auslösen, können dem Auge bei näherer Betrachtung ihre Schönheit offenbaren.

 

Für mich gibt es in der Natur nichts „Hässliches“. Formen, die in einem im selben Moment gegensätzliche Reaktionen – wie Bewunderung und Abstoßung – hervorrufen, finde ich besonders faszinierend, da sie in einem selbst dieses Gefühl von vibrierender Lebendigkeit erfahrbar machen.

 

Ich denke, was das Wahrgenommene in einem auslöst, ist sehr eng mit den bisherigen und individuellen Erfahrungen und Prägungen verknüpft.

 

Für mich ist daher die Frage naheliegend, ob nicht das Auge, das die Dinge „in Augenschein nimmt“ der eigentliche „Künstler“ ist und der Moment des Sehens der Moment, in dem „erschaffen“ wird. Somit wäre Schönheit nicht das Resultat von Perfektion, sondern eine Art Qualität oder inneres Prinzip, das allem Lebendigen zu Grunde liegt und erst durch Vermittlung der Sinne auf den Wahrnehmenden einwirkt.

 

„Schönheit liegt“ - wie man so schön sagt -  „im Auge des Betrachters“.

 

Das Berührtsein von besonderer Schönheit in der Natur vermag eine tiefe Sehnsucht in uns zu wecken. Die Furcht vor dem Unbekannten oder Bedrohlichen könnte auf eine tiefere Angst im eigenen Inneren verweisen – vielleicht eine Furcht, - die, wenn man ihr bis zu ihren Wurzeln folgen würde  letztendlich die Furcht vor einer viel gewaltigeren Schönheit ist, die alle gewohnten Kategorisierungen sprengen würde?

 

Denn letztendlich stehen sich Mensch und Natur ja nicht als Gegensatzpaar getrennt voneinander gegenüber. Die Natur ist nicht nur die Basis unserer Existenz, wir sind „Natur“ und tragen alle ihre Prinzipien in uns. Wenn man die Welt als ein Gebilde, existierend durch kontinuierliche Veränderungen, versteht, in dem alle Teile integraler Bestandteil des Ganzen sind, und in dem sich sowohl die Teile untereinander bedingen als auch die Teile und das Ganze gegenseitig, so waren wir (Natur und Mensch) nie – weder innerlich noch äußerlich, weder als Beobachter noch als Beobachtetes - voneinander getrennt.

 

„Das Wunder ist, dass das Universum einen Teil seiner Selbst erschuf, um den Rest zu studieren, und dass dieser Teil beim Selbststudium den Rest des Universums in seinen eigenen inneren Realitäten wiederfindet“ (John C. Lilly, Wissenschaftler)

 

Und dennoch: Blickt am heute in die Welt, so scheint es als wären wir Menschen noch nie zuvor soweit von unserer Natur entfernt gewesen.

 

Es kommt mir so vor, als hätten wir in der heutigen Zeit  jegliche Achtung und jegliches Gefühl für die Natur in uns und um uns herum verloren. In unserer äußeren Realität zeigt es sich dadurch, dass wir im Begriff sind, in wertblindem Handeln und getrieben von unserer Programmierung auf den „Wettlauf im Jetzt“ unsere Welt in eine Wüstenei zu verwandeln, mit enormer Grausamkeit gegen Mensch, Tier und Natur vorzugehen und so selbstdestruktiv einen Zusammenbruch unserer Zivilisationen durch eine Zerstörung unserer eigenen Lebensgrundlagen herbeiführen.

 

Die Welt– die im alten Griechenland übrigens mit „Schönheit“ übersetzt wurde - verliert ihre Artenvielfalt, ihre Lebensräume, ihre Vitalität: ihre „Natur“ , und es ist offensichtlich, dass dies schwerwiegende und herausfordernde Folgen für unsere unmittelbare Zukunft haben wird.

 

Damit einhergehend stellt sich für mich auch die Frage, wie dies in einem Zusammenhang mit dem Zustand unserer „inneren Realität“  gebracht werden kann.

 

Ich glaube, dass wir davon ausgehen dürfen, eine Art „Sinn für das Schöne“ und eine daraus resultierende „Ethik“ in uns zu haben – dies nicht als vorgegebener Rahmen, dem wir nicht auch widersprechen könnten, sondern als ein Rahmen, der sich erfahren, füllen und verändern lässt, weil wir uns selbst verändern und weiterentwickeln können.

Hätten wir nicht die Anlagen dazu, stünden wir ohne jegliche Hoffnung vor den Herausforderungen unserer heutigen Zeit, die wohl mehr denn je von uns verlangt, unseren Blick wieder zurück auf das Wesentliche zu richten.

 

In meinen Arbeiten suche ich nach Formen, die in sich Bewegung und Wachstum ausrücken. Inspirationsquelle sind hierbei die Erscheinungsformen der Natur in ihrer Fülle, die Prozesse, die diese entstehen und wieder vergehen lassen und die Eindrücke, die ich darin wiedergespiegelt finde. Ich suche dabei nach Formen, die seltsam vertraut wirken und dennoch auf nichts konkretes verweisen und möchte den Assoziationsraum für den Betrachter offen halten.

 

Ich hoffe durch meine Arbeiten, in dem einen oder anderen dieses erhebende Gefühl von Lebendigkeit ansprechen zu können und damit die Frage nach Schönheit, Dynamik und Veränderung neu aufzuwerfen.

„Aber Schönheit in der Natur ist nicht das Höchste. Sie ist der Botschafter einer inneren und ewigen Schönheit und nicht nur ein sicheres und befriedigendes Gut. Sie muss verstanden werden als ein Teil und nicht jetzt schon als der letzte und höchste Ausdruck des Urgrundes der Natur.“

(Ralph Waldo Emerson, Philosoph & Schriftsteller)

Penetrable pearls (2017), Markus Karstieß

(deutsche Version unterhalb)

 

The oyster’s outside resembles a rugged landscape; it is able to evoke within us a certain kind of unattainability and longing, just like the oyster’s yearning for the rocky shore.

When opening the oyster, we are looking at its inner exterior, and - if we are lucky - also behold a pearl. The fleshy exhibits its abject as well as its delicate features. The pearl, on the other hand, is like Hephaistos’ foot, like a flaw, a deficiency, and seems to be completely out of place. But it also represents an exotic, almost out of this world kind of beauty. As a natural artefact it incorporates everything that has been said above about the oyster; like a paradox.

 

In its uneven and most common form of appearance the pearl - called “barroco”, the Portuguese word for “crooked”, “irregular” - thus became a symbol for an era in European art history that lasted for 200 years - the Baroque age. Through its calmness and clarity it contrasted Renaissance by adding a distortive, distending momentum to space.

By molding the interior man seeks the interconnection with the Divine. Churches become penetrable pearls in order to access the world’s innermost part.

The pearl’s iridescent luster is caused by the refraction of light on the surface of this rare and precious item that was formed layer by layer. Thus, the luster creates an insinuating depth on the surface. The famous large pearls in the pieces of jewelry of kings and princes therefore might be interpreted as an early, wearable longing for lust and transcendence.

 

To me, Keiyona C. Stumpf’s ceramic works best represent the liaison between the culinary, between space and transcendence. The hands caress the amorphous, earthly entity that is, in its haptic property, more related to the hands by which it is being put into motion and to our skin than any other material in cultural history.

Just as the line seems to flow out of the drawing artist’s hand, the sculptor molds her innermost part with the material of her choice to seek the interconnection between man and his origin, the interconnection that is ever to be reestablished.

Thus, spaces - as penetrable pearls - are evolving, and ornaments that are mirrors of the unconscious.

Begehbare Perlen (2017), Markus Karstieß

(english version above)

Die Auster hat von außen eine landschaftlich zerklüftete Erscheinung, welche wie die Sehnsucht der Muschel nach der felsigen Küste etwas von Unerreichbarkeit und Sehnsucht in uns auszulösen vermag. Öffnet man eine Auster, so schauen wir auf das innere Äußere der Muschel und mit Glück auch auf eine Perle. Das Fleischige zeigt sich von seiner abjekten und zugleich delikaten Seite. Die Perle wiederum erscheint wie der Fuß des Hephaistos, als Fehler, Missstand und Fremdkörper aber auch als Zeichen exotischer, fast übernatürlicher Schönheit. Sie verbindet als natürliches Artefakt alles in sich, was zuvor über die Muschel gesagt wurde, wie ein Paradox.

Die unregelmäßige und häufigste Erscheinungsform der Perle, genannt „Barroco“, nach dem portugiesischen Wort für „schief “, „ungleichmäßig“, wurde so auch zum Sinnbild einer 200 -jährigen Epoche der europäischen Kunstgeschichte, dem Barock, die der Renaissance mit ihrer Ruhe und Klarheit, eine den Raum verzerrende, dehnende Dynamik entgegensetzte. In der Umspielung des Inneren sucht der Mensch hier zum Kraftschluss mit dem Göttlichen. Kirchen werden zu begehbaren Perlen, um in das Innerste der Welt vorzudringen. Der irisierende Lüsterglanz der Perle entsteht durch Lichtbrechung auf der Ober fläche der in Schichten gebildeten Seltenheit und bildet so eine suggestive Tiefe in der Oberfläche. Die berühmten, großen Perlen in den Juwelen der Könige und Fürsten sind daher vielleicht auch wie ein frühes, tragbares Kino der Sehnsucht nach Lust und Transzendenz zu verstehen.

In den keramischen Arbeiten von Keiyona C. Stumpf zeigt sich für mich am ehesten diese Verbindung von kulinarischem, von Raum und Transzendenz. Die Hände umspielen die amorphe, erdige Masse, die in ihrer Haptik den sie bewegenden Händen und unserer Haut so nah ist wie kein anderes Material der Kulturgeschichte. Wie die Linie beim Zeichnen aus der Hand zu fließen scheint, umspielt die Bildhauerin ihr Innerstes mit dem Material ihrer Wahl, um den ewig neu zu begründenden Kraft schluss des Menschen mit seinem Ursprung zu suchen. So entstehen Räume wie begehbare Perlen und Ornamente als Spiegel des Unbewussten.

 Statement of the Jury `Scholarship for Fine Arts by the city of Munich´ (2016)

(deutsche Version unterhalb)

(...) Keiyona Constanze Stumpf's sculptural works are about natural processes of growth and decease. In this young artist's comprehensive oeuvre, order and chaos as life's formative principles are omnipresent. Keiyona deals with basic natural forms and topics such as beauty, symmetry and ornamentation, thus creating objects faintly reminiscent of Baroque art; and oversized installations, that sprawl across the exhibition walls and into the room.

The artist skillfully works with various materials, such as plastic foil, gesso or paper, but has focused on ceramics and porcelain for the past years. These materials better correspond to her delicate and detailed wall objects. In their ornamentation and design vocabulary, they reflect the dainty Rococo style, thus presenting a tense ambivalence between her corporal, nature emulating subjects.

Keiyona's project "mutations" is expected to consist of six relief-like wall objects made of delicately glazed porcelain. These objects, at first associated with oversized amulets or rocaille, transform into peculiar, sprawling shapes, as if motivated by some autonomous inner processes, and seem to be moving within the room.

Jurybegründung `Stipendium für Bildende Kunst der Landeshauptstadt München  ́ (2016)

(english version above)

(...) Keiyona Constanze Stumpfs skulpturale Arbeiten thematisieren natürliche Prozesse des Wachsens und Vergehens. Ordnung und Chaos als Ursprungsprinzip allen Lebens sind sowohl inhaltlicher wie auch formaler Ausgangspunkt in dem umfangreichen Werk der jungen Künstlerin. In Auseinandersetzung mit den Formprinzipien der Natur und den Themenkomplexen Schönheit, Symmetrie und Ornamentik kreiert sie barock anmutende Objekte und Installationen, die oft über- dimensional über die Ausstellungswand hinweg und in den Raum hinein wuchern.

Die mit unterschiedlichsten Materialien, wie Plastikfolien, Gips oder Papier gekonnt arbeitende Künstlerin fokussiert sich in den letzten Jahren auf den Werkstoff Keramik bzw. Porzellan, der ihren zunehmend filigraner und kleinteiliger werdenden Wandobjekten entspricht. In ihrer Ornamentik und Formensprache dem verspielten Stil des Rokoko zugewandt, entwickeln ihre Werke eben darin eine spannungsvolle Ambivalenz zu ihren inhaltlichen, körperlichen Motiven.

 

 Reflektor M, Interview with (2016) on the occasion of the Diploma Exhibition, Academy of Fine Arts Munich (2016), with Christiane Breul

(deutsche Version unterhalb)

 

Profil: Keiyona Stumpf – Diploma 2016 (DE) Interview with Christine Breul

 

RM: Keiyona, your pieces exhibit esthetically appealing ornaments as well as forms that evoke memories of atrocities. *Ornamentation and Crime” - how can these notions be associated with your work?

KS: Ornamentation is a big part of my work, atrocity not at all. In addition to the beauty of organic-physical, ornamental stylistic design, my pieces express a sense of vulnerability. To me, this is also an aspect of everything that is alive; it is a part of the wide range of (physical) sensations, as well as joy and beauty. Ultimately, the shapes I chose refer to internal processes. In his writing “Ornamentation and Crime” from 1908, Adolf Loos calls the decorations or “other artistic creative attempts” on an everyday object inappropriate, unnecessary and barbaric. This statement, though, which he made in the same writing, I find more interesting: “The desire to embellish one’s face and everything else that is within one’s reach is the very beginning of fine arts. It is the babbling of the art of painting. All art is erotic.” Here, he draws connections between ornamentation, creating art, and a sensuality that is palpable.

 

RM: We talked about Gunther von Hagens in contrast to the anatomical collection in Florence: How did you get to your current forms and colors?

 

KS: I have always been fascinated by anatomical representations and images that display the interior of the body. The human body and its inner structure are masterpieces themselves, and the various organs and functions interact with each other in such an incredibly perfect way that we are kept alive. What at first seems to be repulsive or disgusting, unfolds enormous beauty when taking a closer look. I think that everything we perceive is subject to our own personal interpretation, and that often depends on the point of view we adapted in the course of our upbringing. Only a few things we can observe in a truly unbiased manner. I was really fascinated by the 17th century wax replicas, which I saw a few years ago at the Museum of Natural History in Florence. Especially the naturalistic, life-size replica of a woman lying on a red velvet pillow with a golden rim, her long hair open, as was her abdomen, with each organ carefully arranged next to her. For me, this depiction of the body’s interior beauty was far more skillful and appropriate than Gunther von Hagen’s body cabinets.  In my work I often tried to find the exact moment between fascination and disgust, between beauty and sloppiness, the point where it literally gets under your skin.

 

CB: One may assume that the form and color structures of your pieces are the fortuitous effect of craftsmanship: intended “coincidence”? How important are choice of materials and texture in your work?

 

KS: Choice of material and texture are essential in my work. The foundation of each piece is always the material I use. I decide upon it depending on how easily it can be morphed and transformed into different physical states; for example, plaster, wax, plastic or plastic foils, and glass. I am always exploring each material’s own range of possible forms, and through heating it, liquefying it or other procedures I reveal them. Depending on each material’s specific qualities and how it can be combined with other materials, an individual form is created in the working process. That form then unfolds a life of its own, either as a sculptural piece, a widespread wall sculpture or an installation. Thus, I use the specific momentum of the material to find the form, but I also intervene by specifically applying sculptural techniques. However, oftentimes these techniques are so closely related to the properties of the material, that one cannot distinguish them from the random deformations. The artwork then seems like a momentary picture of a dynamic process, in which forms arise and perish again.

 Reflektor M, Interview anlässlich der Diplomausstellung, AdBK München (2016), mit Christiane Breul

(english version above)

 

Profil: Keiyona Stumpf – Diplom 2016 (DE) Interview mit Christine Breul

 

RM: Keiyona, in deinen Arbeiten sind ästhetisch reizvolle Ornamente, genauso wie an Gräueltaten erinnernde Formen zu beobachten: Ornament und Verbrechen – wie kann man diese Worte mit deiner Arbeit zusammenbringen?

KS: Ornamentik spielt in meinen Arbeiten eine große Rolle, Verbrechen gar keine. Was in meinen Arbeiten neben der Schönheit der organisch-körperlichen, ornamentalen Formensprache bisweilen ausdruckt, ist vielmehr ein Gefühl der Verletzlichkeit, was für mich neben der Freude und Schönheit zum allem Lebendigen dazugehört, wie auch zur großen Bandbreite der (körperlichen) Empfindungen. Letztendlich verweisen die gewählten Formen auf innere Prozesse. In seiner Schrift Ornament und Verbrechen ́von 1908 bezeichnet Adolf Loos die ornamentalen Verzierungen oder `andere künstlerische Gestaltungsversuche ́an einem Gebrauchsgegenstand als unangemessen, überflüssig und barbarisch. Interessanter finde ich folgende Aussage von ihm, die aus derselben Schrift stammt: '...Der Drang, sein Gesicht und alles, was einem erreichbar ist zu ornamentieren ist der Uranfang der Bildenden Kunst. Es ist das Lallen der Malerei. Alle Kunst ist erotisch...'. Hier zieht er Verbindungen zwischen Ornamentik, dem Kunstschaffen und einer körperlich wahrnehmbaren Sinnlichkeit.

RM: Wir sprachen über Gunther von Hagens im Gegensatz zu der anatomischen Sammlung in Florenz: Wie war Dein Weg zur jetzigen Form- und Farbgebung?

 

KS: Mich haben anatomische Darstellungen und Abbildungen, die das Innere des Körpers zeigen, schon immer fasziniert. Der menschliche Körper und sein innerer Aufbau ist ein Meisterwerk in sich, in dem die verschiedenen Körperorgane und Funktionen auf so unglaublich perfekte Weise miteinander agieren, so dass er uns am Leben erhält. Was auf den ersten Blick abstoßend oder eklig wirkt, weist bei genauem Hinschauen eine enorme Schönheit auf. Ich denke, dass alles, was wir wahrnehmen der eigenen persönlich geprägten Interpretation unterliegt, und oft davon abhängig ist, welche Blickweise man von außen angenommen oder anerzogen bekommen hat. Weniges können wir wirklich unvoreingenommen betrachten.

Die Wachsmoulagen aus dem 17.Jhdt, die ich vor einigen Jahren im naturhistorischen Museum Florenz gesehen habe, haben mich daher sehr in den Bann gezogen. Besonders die naturgetreue und lebensgroße Darstellung einer - auf einem roten Samtkissen mit Goldrand liegenden Frau mit langen offenen Haaren, deren gesamter Bauchraum offen gelegt und die einzelnen Organe seitlich nach außen drapiert wurden. Diese Darstellung der Schönheit des Innenlebens eines Körpers empfand ich als weitaus gekonnter und „würdiger“ als die Körperkabinette von Gunther von Hagens.

Ich habe in meinen Arbeiten oft versucht, genau diesen Moment zwischen Faszination und Ekel, zwischen Schönheit und Schludrigkeit, den Punkt, wo es einem buchstäblich „unter die Haut geht“ auszumachen.

CB: Deine Arbeiten zeigen Form- und Farbstrukturen, die nach einem glücklichen Zufall aufgrund von erarbeiten Handwerk schließen lassen: Kalkulierter Zufall? Welche Rolle spielt Materialwahl und -beschaffenheit in deinem Werk?

KS: Materialwahl- und Beschaffenheit spielt in meinem Werk eine wesentliche Rolle. Den Ausgangspunkt jeder Arbeit stellt immer das verwendete Material dar, das ich im Hinblick auf seine Möglichkeit der leichten Verformung und der Transformation in unterschiedliche Aggregatzustände auswähle, wie beispielsweise Gips, Wachs, Kunststoff oder Kunststofffolien, Glas. Hierbei bin ich stets auf der Suche nach dem individuellen Formenrepertoire, das jedes Material in sich birgt und das ich beispielsweise durch Erhitzen, verflüssigen oder andere Eingriffe zum Vorschein kommen lasse.

Aus den spezifischen Qualitäten jedes Materials und seiner Kombination mit anderen, kristallisiert sich im Laufe der Arbeit ein eigenes Formprinzip heraus, das dann in skulpturalen Arbeiten, raumgreifenden Wandarbeiten oder Installationen sein Eigenleben entwickelt.

Somit nutz ich die spezifischen Eigendynamik des verwendeten Materials zur Formfindung, andererseits nehme ich aber auch ganz gezielte bildhauerische Eingriffe vor. Diese orientieren sich jedoch häufig so nahe an den Eigenschaften des Materials, dass sie kaum noch von den zufällig entstandenen Verformungen zu unterscheiden sind. Der Bildraum wirkt hierbei häufig wie die Momentaufnahme eines dynamischen Prozesses, in dem Formen entstehen und wieder vergehen.

Artist Statement (2014),  Keiyona C. Stumpf

(deutsche Version unterhalb)

My work and working method is oriented at the richness of natural forms, and the process that generates these forms in their diversity and let them pass again.

The created forms express an inherent liveliness and at the same time point to deep inner feelings and emotions, they combine familiar-looking forms with a certain strangeness and plays with the sensation of beauty.

Depending to the characteristics of the used material, the formal principle emerges individually in the course of each work and often seems to develop a life of its own.

The art work appears to be a moment of an ongoing dynamic process.

Occurring natural principles of beauty,such as symmetry and ornamental structure, are combined with arbitrariness and the emergence of uncontrolled growth.

The viewer is confronted with something that lines between a clear form and a free forming process, something that is neither chaotic nor ordered. The viewers eyes are kept on searching.

Artist Statement (2014),  Keiyona C. Stumpf

(english version above)

 

Meine Arbeiten richten sich nach dem Formenschatz der Natur aus, und nach den Prozessen, die diese Formen in Ihrer Vielfältigkeit hervorbringen und wieder vergehen lassen.

So entstehen organische Formen, die ihre ihnen innewohnende Lebendigkeit nach  außen tragen und zugleich auf tiefe, innere Empfindungen und Gefühle verweisen.

Die Form an sich entspringt immer den speziellen Eigenschaften und Verarbeitungsmöglichkeiten des verwendeten Materials.

Aus seinen haptischen Qualitäten und seiner spezifischen Formbarkeit kristallisiert sich im Laufe jeder Arbeit ein eigenes Formprinzip heraus, das ein Eigenleben zu entwickeln scheint.

Häufig wirkt der Bildraum wirkt wie die Momentaufnahme eines dynamischen Prozesses. Auftretende natürliche Prinzipien, wie Symmetrie, ornamentale Struktur oder auch Willkür und das Entstehen unkontrollierter Wucherungen wirken anziehend und abstoßend zugleich. Der Betrachter ist mit etwas konfrontiert, das sich zwischen klarer Form und freier Formwerdung befindet, das weder ganz Chaos noch ganz Ordnung ist.

Die Formensprache kombiniert seltsam vertraut wirkende Formen mit einer gewissen Fremdartigkeit und spielt mit dem Schönheitsempfinden. Unterschiedlichste Assoziationen und Empfindungen werden angestoßen. Ein vages Déjà-Vu Gefühl stellt sich ein, obgleich auf nichts Konkretes verwiesen wird.

Der Betrachter bleibt auf der Suche.

on the occasion of the exhibition series `#   32 Die ersten Jahre der Professionalität  ́, Galerie der Künstler, Munich (2013), Greta Hoheisel

(deutsche Version unterhalb)

 

In a world of control, the excrescent is seldomly allowed to express itself, but grows secretly beneath a smooth surface. Keiyona C. Stumpf’s drawings, sculptures and installations seem as if the protective layer had been peeled off by the artist. The objects look like inner organic matter that is now visually perceivable, and seem disturbingly familiar. The objects are not life- and motionless, but grow exuberantly - for instance in “Umwälzung” (2008) - over pedestals or - in “Metamorphosis” (2008) - attach themselves to static walls, floors and ceilings.

In this state of apparent growth, many forms seem to be creating themselves from within. Especially in works such as “Metamorphosis” or “Lustwandel” (2009), it seems as if the objects had a common archetype. They are constantly changing while at the same time staying close to their presumed origin. Typical to esthetical studies of forms, many pieces display symmetrical relations. However, the so called ideal shape and natural order is marked by subtle deviations. Thus, they turn out to be not just an external forming principle. The objects evoke the understanding of the symmetrical division as a pattern of evolution, growth and biological procreation; they remind us of chromosomes and genes. In Keiyona C. Stumpf’s works, transformation and expansion often are related to symmetry - as they are within nature.

Symmetry has always been a key aspect of beauty. Beauty resides within all of Keiyona C. Stumpf’s pieces, whether with or without obvious symmetry. The precisely sculpted objects are extremely fascinating and appeal to the tactile sense, but they can also fill you with horror. The organic, the internal and the unknown look like they were skinned or turned inside out.

The shiny surfaces, the “fleshy” forms - in “Omphalos” (2011) they look like umbilical cords - are barely held together by the glass dome. They evoke a feeling of distance and curiosity at the same time.

Momentums of the organically growing and the transformational can be found in the working process itself, as well as in the handling of the materials. Besides plaster and paper, the artist uses plastic and plastic foils, finds and ordinary waste; then she melts and morphs them. Various physical states are applied, transitions from solid to liquid, and back to the solid are tested. Keiyona C. Stumpf uses each material’s internal dynamics and aspects of fortuity to make her objects seem to be sprawling out continuously.

anlässlich Ausstellungsreihe `# 32 Die ersten Jahre der Professionalität  ́, Galerie der Künstler, München (2013), Greta Hoheisel

(english version above)

In einer äußerlich kontrollierten Welt darf sich das Wuchernde nur selten zeigen. Häufig wächst es verborgen unter einer glatten Oberfläche. Keiyona C. Stumpfs Zeichnungen, Plastiken und Rauminstallationen erwecken den Eindruck, die Künstlerin hätte die schützende Außenhaut abgeschält; die Objekte erinnern an Inneres oder Organisches, seltsam Vertrautes, das den Blicken zugänglich wird. Dabei liegen die Objekte nicht leblos und still, sondern wachsen wie in „Umwälzung“ (2008) über Podeste oder heften sich in der Arbeit „Metamorphose“(2008) an statische Architektur, an Wände, Fußböden und Decken.

In diesem scheinbaren Zustand des Wachsens wirken viele Formen als würden sie sich aus sich selbst heraus gebären. Besonders in Arbeiten wie „Metamorphose“ oder „Lustwandel“ (2009) scheint es, als läge den Objekten eine gemeinsame „Urform“ zu Grunde. In stetiger Wiederholung verändern sie sich, ohne die Nähe zu ihrem vermeintlichen Ursprung zu verlieren. Wie in formästhetischen Studien werden dabei in vielen Arbeiten Symmetrieverhältnisse sichtbar. Die „Idealform“ und Ordnung ist jedoch durch feine Brüche und Abweichungen gekennzeichnet und entpuppt sich nicht nur als äußerliches Formprinzip: man fühlt sich an die symmetrische Teilung als ein Entwicklungs-, Wachstums-und biologisches Fortpflanzungsmuster, an Chromosomen und Gene erinnert. Die Momente der Transformation und Ausbreitung stehen wie in der Natur auch in Keiyona C. Stumpfs Arbeiten häufig in Zusammenhang mit Symmetrien.

Seit jeher wird Symmetrie als ein Kriterium für Schönheit gehandelt. Schönheit wohnt allen Arbeiten von Keiyona C. Stumpf inne, sei es mit oder ohne offensichtliche Symmetrieverhältnisse. Die mit bildhauerischer Präzision gearbeiteten Objekte üben eine besondere Faszination aus, sprechen den haptischen Sinn an, können einen aber auch erschaudern lassen. Das Organische, das Innere und das Unbekannte, liegen scheinbar gehäutet oder wie nach außen gekehrt da. Die leicht glänzenden Oberflächen, die „fleischigen“ Formen, die wie bei „Omphalos“ (2011) an Nabelschnüre erinnern und den Glassturz, der alles wie eine Ersatzhaut zusammen hält, zu sprengen drohen, lösen Distanzierung und Neugier zugleich aus.

Momente des organisch Wachsenden und des in Transformation Befindlichen finden sich auch im Arbeitsprozess selbst und im Umgang mit den Materialien. Neben Gips und Papier nutzt die Künstlerin Kunststoffe und Plastikfolien, Fundstücke und Abfall des Alltagslebens, schmilzt diese und verformt sie. Verschiedene Aggregatszustände kommen zum Tragen, Übergänge vom Festen, zum Flüssigen, zurück zum Festen werden erprobt. Keiyona C. Stumpf nutzt die Eigendynamik des Materials und Momente des Zufälligen, um ihren Objekten die Erscheinung wachsender Ausbreitung zu verleihen.